ESCENARIO

ESCENARIOS 

ESCENARIO 

 es todo espacio destinado a la representación  de las diversas artes  escénicas  o utilizado para eventos públicos (conferencias). En el medio teatral, se llama caja del escenario al conjunto formado por el escenario en sí mismo, los fosos 

HISTORIA

En los orígenes del fenómeno teatral, posiblemente de contenido religioso o mágico, el escenario era cualquier área elegida para hacer una representación y la fuerza del ritual o las ceremonias le acababan otorgando una especial significación de lugar sagrado. Los primeros escenarios de la antigua  Grecia disponían de entoldados o tiendas de campaña situadas detrás de la orchesta que servían a los actores para cambiar sus máscaras u otros elementos deatrezzo; más tarde se desarrollaron hasta convertirse en anfiteatro al aire libre con escenarios permanentes. El mismo tipo de edificio fue adoptado por los romanos que los difundieron por toda Europa.

Durante la edad  media se usaban para interpretar misterios y  milagros , en las catedrales y sus pórticos, pequeños escenarios portátiles. Estructuras similares fueron empleadas por la comedia de arte en Italia , cuyo uso se difundiría por todo el continente en los siglos siguientes.

Ya a partir delsiglo XV aparecen en el sur de Europa los corrales de comedias, aportando un nuevo concepto urbano del escenario teatral.⁸ El siguiente paso evolutivo en la historia del espacio escénico clásico sería el teatro tradicional "a la italiana", un edificio específico para las representaciones dramáticas

CLASES  DE  ESCENARIO

Desde el punto de vista arquitectónico se diferencias varios modelos de escenario, a partir de un esquema tradicional común:

• Italiano: Es el modelo más extendido, con un solo frente en forma de herradura (el público está frente al escenario, existiendo una división entre el público y los actores). Suele disponer de foros laterales donde el equipo de producción guarda los elementos de la escenografía y la utilería. Otro espacio característico de este modelo son las bambalinas, telones situados en los costados del escenario que permiten el acceso de los actores.

• Isabelino: Tuvo su origen en el teatro isabelino inglés, del que recibe su nombre.

• Arena: El público se sitúa alrededor del escenario; puede ser cuadrado o circular.

• Laboratorio o caja negra: Utilizado por los grupos de teatro experimentales; la distribución de público y actores es aleatoria.

PARTES EN LAS  QUE  SE  DIVIDE UN  ESCENARIO

TEATRO FÍSICO: Es la construcción o divisiones del lugar donde se presenta una obra de teatro y tiene dos parte fundamentales que son SALA Y ESCENARIO. 

SALA: Es el espacio físico donde se encuentran las butacas o asientos, generalmente es la mayor parte del teatro físico. Se divide a su vez en: 

Butacas: son los asientos para el espectador o público que asiste a una obra. 

Pasillos: espacio entre unas filas de butacas a otras, pueden ver dos o tres pasillos. 

ORQUESTRA: parte que divide la sala del escenario, o sea las butacas del proscenio. 

ESCENARIO: Parte física del teatro donde se desarrolla todas la parte técnica de una obra, se divide en CAMERINO, PASILLO Y ESCENA:Aunque su aspecto ha variado considerablemente a lo largo de la historia, tradicionalmente se ha dividido en tres tipologías: de proscenio, de corbata y circular o arena. 

CAMERINO: Es la parte donde permanece los actores, el maquillista, el director de escenas antes de salir a escena, el cual se compone a su vez en: VESTIDOR, BAÑO, BASTIDORES, TRAMOYISTA Y AREA DE MAQUILLAJE. 

ESCENA: Es el espacio visible del escenario, la cual se divide en seis partes arriba, centro y abajo estas a su vez en derecha, centro e izquierda y la parte frontal se le llama primer plano no importando la posición. En esta parte es donde se colocan las luces y otros elementos importantes para que se realice una obra y esta dividido en la siguiente forma: 

FORO: Es el fondo del escenario donde se coloca el Ciclorama que es la pintura o telón que decora la ambientación de una obra. 

FOSO DEL ESCENARIO: Es la parte de abajo del escenario que se utiliza para guardar cierta tramoya o parte de la utilería, se entra por una tapa que se el hace al escenario, aquí se coloca también el Apuntador. 

PROSCENIO: Es el borde del escenario donde se colocan la luces llamada Batería. 

BAMBALINAS: Es una especie de teló que cuelga horizontalmente desde el techo de la escena. 

LATERALES: Son los bordes del escenario donde se colocan las luces llamada Candilejas, que sirven al igual que la baterías para iluminar el escenario pero de una forma vertical. Detrás de los Laterales generalmente se colocan el Luminotécnico y El Musicalizador. 

PASILLO: Es el corredero o pasador de los actores y actrices en un cambio de escena, también es utilizado en cierta manera para guardar utilería o Tramoya que son las partes de la escenografía. 

1.-Proscenio

2.- Embocadura

3.- Primero, Segundo y tercero, planos derecha, centro e izquierda. 

El proscenio: en la media luna que esta por fuera de la embocadura del escenario. 

La embocadura :es la parte donde esta el Telón de Boca. Luego siguen los planos , 1,2,3, y finalmente esta el foro, que es la pared final del escenario. Esta enumeración se hace desde el publico hacia el fondo. 

Para cada plano derecho o izquierdo: hay su respectiva salida marcada por un rompimiento o pierna que baja desde la parrilla de la tramoya. A estas piernas se les llama también aforo del escenario. 

Dentro del Proscenio existe un espacio que se llama la concha del apuntador y entre el proscenio y el publico que esta en la platea esta el foso, donde se coloca la orquesta. 

En la parte alta del escenario esta la parrilla de la tramoya y todo el entramado de las barras o baterías de luces y las varas donde su colocan los decorados y las escenografías para los cambios correspondientes. 

En el teatro, el escenario es el espacio destinado al público para la interpretación de producciones teatrales u otros acontecimientos. El escenario sirve como espacio para los actores o intérpretes y como un punto focal para los miembros del público. Como rasgo arquitectónico, el escenario puede consistir en una plataforma (a menudo elevada) o una serie de plataformas. En algunos casos, pueden ser temporales o ajustables, pero en los teatros y otros edificios dedicados a este tipo de producciones, el escenario es a menudo un elemento estable y permanente.

DIRECCIÓN NACIONAL DE DERECHO DE AUTOR DE
COLOMBIA

I. Registro nacional de derecho de autor

1. Finalidad

El Registro Nacional de Derecho de Autor es un servicio gratuito sin ninguna contraprestación económica para el ciudadano que presta el Estado a través de la Unidad Administrativa Especial Dirección Nacional de Derecho de Autor, entidad adscrita al Ministerio del Interior , en su sede única sin regionales ubicada en la ciudad de Bogotá, D.C., cuya finalidad es la de brindar y otorgar a los titulares de derecho de autor y derechos conexos un medio de prueba y de publicidad a sus derechos, así como a los actos y contratos que transfieran o cambien ese dominio amparado por la ley.

En relación con el registro de los actos y contratos referidos al derecho de autor, a diferencia del registro de obras, es obligatorio para predicar la validez y oponibilidad ante terceros de dichos actos (artículo 6 Ley 44 de 1993).

2. Beneficios

En Colombia a partir de la Ley 23 de 1982, y con la expedición de la Decisión Andina 351 de 1993, el Registro Nacional de Derecho de Autor no es constitutivo de derechos ni obligatorio como condición de protección, pero si en cambio permite generar una seguridad jurídica tanto para los autores como para los titulares de un derecho de autor o de derechos conexos.

II. Definicion de obra artística y musical

Por obra artísticas encontramos las composiciones musicales con letra o sin ella; las obras dramáticas y dramático - musicales; las obras coreográficas y las pantomimas; las obras de bellas artes, incluidos los dibujos, pinturas, esculturas, grabados y litografías; las obras de arquitectura; las obras fotográficas y las expresadas por procedimiento análogo a la fotografía; las obras de arte aplicado; las ilustraciones, mapas, croquis, planos, bosquejos y las obras plásticas relativas a la geografía y la topografía.......

¿QUÉ ES UNA OBRA ARTISTICA?

Creación cuya finalidad es apelar al sentido estético de quien la contempla, como por ejemplo: una pintura, una escultura o un dibujo.

¿QUÉ ES UNA OBRA MUSICAL?

Creación que abarca toda clase de combinaciones de sonidos (composición) con o sin texto (letra o guión).

III. Instrucciones para la solicitud de registro de una obra artística y musical ante la dirección nacional de derecho de autor

A. Antes de diligenciar el formulario, lea cuidadosamente las instrucciones que a continuación se presentan.
B. Con este formulario puede solicitar únicamente el registro de obras musicales, es decir las creaciones que abarcan toda clase de combinaciones de sonidos (composición - partitura) con o sin texto (letra o libreto), y de obras artísticas tales como: dibujos, pinturas, esculturas, obras fotográficas, u otras análogas, obras de arquitectura, ingeniería, mapas, croquis, obras plásticas relativas a la geografía, ingeniería, topografía, arquitectura o a las ciencias en general, y obras escénicas tales como: las teatrales, pantomímicas, coreográficas, dramáticas y dramático - musicales.
C. El formulario consta de una (1) hoja denominada "solicitud inscripción obras artísticas y musicales", la cual deberá ser diligenciada, sin enmendaduras o entrerrenglones, firmada en original y remitida junto con una copia de la obra a la entidad.
D. Procure llenar el formulario a máquina o en letra imprenta cuidando que toda la información quede lo suficientemente clara.
E. Por cada formulario diligenciar el registro de una sola obra. Utilice tantos formularios cuantas obras desee registrar. De requerir formularios adicionales puede tomarle las fotocopias que necesite, teniendo presente que éstas deben ser totalmente nítidas y legibles, conservando en su integridad la estructura del presente formato.

1. DATOS DEL AUTOR O AUTORES

1.1 Autor es la persona física que realiza la creación intelectual. Las personas jurídicas no son consideradas como autores por nuestra legislación. Diligenciar en las respectivas casillas "Datos del Autor o Autores", el nombre completo de cada una de las personas que intervinieron en la elaboración o creación de la obra. Si es el caso, diligenciar tantos formularios cuantos sean necesarios para incluir el nombre de todos los autores.
1.2 Seudónimo nombre empleado por un autor es vez del suyo verdadero. Si diligencia la casilla seudónimo, se debe marcar en el carácter de la obra 2.1. "Obra Seudónima" y allegar la escritura pública de la declaración del seudónimo.

2. DATOS DE LA OBRA

El título consignado en el formulario debe ser idéntico al que figura en la obra.
Se tiene por año de creación la fecha en que el autor creó la obra.
Obra Inédita: La que no ha sido dada a conocer al público.
Obra Editada: Toda obra puesta al alcance del público.
Obra musical: Creación que abarca toda clase de combinaciones de sonidos (composición) con o sin texto (letra y guión).
- Género: Cada una de las distintas categorías en que se pueden ordenar las obras musicales según rasgos comunes de forma o de contenido. Así, en música, se distinguen diversos géneros musicales como por ejemplo: rock, salsa, vallenato, cumbia, etc.
- Ritmo: Modo de expresar un estilo propio de un género que debe adecuarse a su finalidad estética. Cualquiera de los géneros puede expresarse por un estilo propio de acuerdo a su finalidad.
Obra artística: Creación cuya finalidad es apelar al sentido estético de quien la contempla.

2.1 Carácter de la obra:

Obra individual: La que es producida por una sola persona natural.
Obra en colaboración: La que es producida conjuntamente, por dos o más personas naturales, cuyos aportes no pueden ser separados. En este evento el ejercicio de los derechos patrimoniales corresponderá a todos los autores, de tal manera que para que uno de ellos utilice la obra, necesitará el consentimiento de todos los demás.
Obra colectiva: La que es producida por un grupo de autores por iniciativa y bajo la orientación de una persona natural o jurídica que la coordina, divulga y publica bajo su nombre. En este caso, la ley presume que esta última detentará los derechos patrimoniales (derechos de explotación de la obra), por lo que deberá especificarse en la casilla 3 del formulario denominada "Transferencias" a quién corresponden los derechos patrimoniales, y acompañar el documento que acredita tal circunstancia. Los autores sólo conservarán las prerrogativas morales.
Obra por encargo: Cuando la obra es creada en desarrollo de un contrato de prestación de servicios, la ley presume que la titularidad de los derechos patrimoniales la tiene el contratante que ha señalado el plan y que asume el costo y responsabilidad de la misma, evento en el cual se deberá diligenciar la casilla del formulario No 3 "transferencias" y allegar el documento que acredite tal situación. El autor solo conserva las prerrogativas morales.
Obra originaria: Aquella que resulta del trabajo intelectual del autor sin basarse en obra preexistente.
Obra derivada: Es aquella obra basada en otra ya existente que resulta de la adaptación, traducción u otra transformación de una obra originaria, siempre que constituya una creación autónoma. En este caso especifique qué clase de obra derivada es: traducción, adaptación, entre otras.
Obra Anónima: Es aquella en donde no se menciona el nombre o seudónimo de autor por voluntad del mismo o por ser ignorado. En este evento la ley atribuye la titularidad de los derechos patrimoniales al editor, sin perjuicio que desde el momento mismo en que el autor revele su identidad puede hacerse acreedor de los mismos.
Obra póstuma: Es aquella que ha sido dada a conocer al público sólo después de la muerte del autor.
Obra seudónima: Es aquella en que el autor se oculta bajo un seudónimo o nombre que no lo identifica. En caso de usarlo, deberá acompañar una declaración de seudónimo efectuada ante notario donde conste que este se halla registrado conforme a las disposiciones relativas al estado civil de las personas, ya que de lo contrario el ejercicio de los derechos patrimoniales corresponderá al editor.
Otras: Indicar si se trata de una antología, compilación de obras o bases de datos, que por la selección o disposición de las materias constituyan creaciones personales. Si se trata de cualquier otra categoría de obra diferente a las relacionadas, favor mencionarla.

3. TRANSFERENCIAS

Esta casilla sólo se diligencia en el evento de inscribirse un titular de los derechos patrimoniales (de explotación de la obra) diferente al autor, es decir, cuando ha mediado una transmisión de tales derechos, en cuyo caso, se debe indicar su nombre o razón social, aportando el documento mediante el cual adquirió los derechos. Si el documento se allega en fotocopia, ésta deberá ser autenticada. La transmisión debe constar en escritura pública o en documento privado reconocido ante notario (reconocimiento de firma y contenido).

4. OBSERVACIONES GENERALES

Indicar de forma breve cualquier particularidad sobre la obra

                                                   5. DATOS DEL SOLICITANTE

A. Indique el nombre de la persona natural que hace la solicitud, así como su documento de identificación, nacionalidad, dirección, teléfono, correo electrónico, sitio web, fax, ciudad y país. Tenga presente que la petición del registro puede ser hecha por el autor (si este es menor de edad, la solicitud debe ser presentada por uno de los padres, allegando el registro civil de nacimiento), por el editor, o por el titular de los derechos patrimoniales. En los dos últimos casos, si se trata de personas jurídicas deberá adjuntarse la documentación que acredite su existencia y representación legal.

B. Cuando el solicitante actúe como representante de otro, deberá acompañar la prueba de su representación. Para el evento de ser el representado persona jurídica, deberá aportarse adicionalmente, coDIRECCIÓN NACIONAL DE DERECHO DE AUTOR DE

COLOMBIA

I. R

...PLANIMETRIA : PASILLO HUILENCE DE ANTAÑO...

COREOGRAFIA : Diego Fernando Diaz

SIMBOLOGIA: Triangulo: HOMBRE

                    Circulo: MUJER

en esta primera figura las mujeres inician marcando pasillo con el pie izquierdo en el puesto, mientras que los hombres inician deuna vez con el pie dercho y en 12 tiempos realizan el recorrido hacia ellas en total alineaciony luego se devuelven quedando nuevamente en el puesto de inicio.

al llegar los hombres en el exacto tiempo 12 las mujeres inician el recorrido hacia ellos en 11 tiempos igualmente en total alineacion y devolviendose al puesto de inicio.

al terminar los 11 tiempos de desplazamiento de las mujeres, los hombres y las mujeres se van desplanzo en 4 tiempos hacia el centro del escenario marcando paso de pasillo de antaño.

al llegar frente a frente, cada pareja en completa alineacion realiza codos con el brazo derecho, en esta figura hay mucho contacto visual.

y al finalizar los codos la fila de los hombres y la fila de las mujeres realizan un desplazamiento lateral, los hombres hacia el lado izquierdo girando hacia arriba(mirando el publico) hasta volver al centro y las mujeres hacia la derecha girando hacia abajo(de espaldas al publico, hasta llegar igualmente al centro en 4 tiempos.

al llegar al centro se toman en posicion de valceo, marcan 3 tiempos en el puesto empezando con la derecha de la mujer.

luego de haber marcado los 3 tiempos en el puesto la pareja 1 y 3 se desplazan en valseo con giro hacia la izquierda por la derecha y la pareja 2 y 4 hacia el lado derecho empezando con la derecha en 8 tiempos.

al llegar a los repectivos lugares todas las parejas marcan 2 tiempos en el puesto todavia en pocision de valceo.

una vez finalizados los 2 tiempos en el puesto, las parejas se desplazan en valceo con giro un puesto hacia el lado derecho,formando una te, estos desplazamientos se realizan en 4 tiempos.

luego, se desplazan en paso de pasillo y en valceo sin giro hasta formar una diagonal respetando las diferentes posiciones deben quedar intercalados hombre y mujer en 2 diagonales.

van trasladando en total alineacion la diagonal hasta formar una horizontal, igual mente respetando las diferentes pocisiones de hombre y mujer intercalados, estedesplazamiento de la diagonal hasta la horizontal va en 16 tiempos.

al llegar a la horizontal, la pareja 1 y 2 se desplazan hacia arriba (el publico) en 4 tiempos y se regresan en 4 tiempos a la horizontal, igualmente la pareja 4 y 2 hacia abajo del escenario en 4 tiempos por la desrecha y se devuelven en 4 tiempos por la derecha, este valseo se realiza 3 veces al llegar la mujer remata con un giro por fuera.

al tercer y ultimo valseo con desplazamiento en giro, las parejas 1 y 2 quedan arriba ( al publico) y las parejas 2 y 4 quedan abajo en primeros planos, en 4 tiempos las parejas realizan un coqueteo empezando con el pie derecho (como si quisiera decirle algo al oido), y en este paso van alineando las 2 verticales.












al terminar el paso del coqueteo en los 4 tiempos exactos se deve ver una alineacion en 2 verticales.

las mujer inician con el pie derecho de espaldas al publico y hacen el recorrido en 6 tiempos hacia arriba( el publico) hasta llegar al puesto, y los hombres lo mismo hasta llegar al puesto, las mujeres de abajo con los hombres de arriba deben encontarse durante el recorrido realizando espaldas, y al finalizar los 6 tiempos, cada pareja realiza codos por derecha en 7 tiempos con el remate de la mujer por fuera.

al terminar el remate delas mujeres, inicien el desplazamiento en circulo contrario a las manecillas del reloj iniciando con el pie derecho, las mujeres van al lado derecho de los hombres, y abanjan marcando paso, las mujeres proyectan el torso y la cara hacia el publico y el parejo an cada paso que dan. El circulo lo avanzan en 16 tiempos hasta que cada apreja llague a su posicion inicial.

Al llegar al puesto inicial , marcan con derecha en posicion de valseo 4 tiempos en el puesto y se desplazan en valseo con giro por la derecha en 4 tiempos formando una ele, como lo indica la imagen, al llegar al 4 tiempos se devuelven del mismo modo hasta llegar al puesto y el el hombre remata a la mujer por fuera en 2 tiempos.

la pareja 1 y 4 valsea en el puesto en 4 tiempos mientras que las parejas 2 y 3se desplazan en posicion de valceo si giro hacia el lado opuesto en el que se encuentran, respetando la posicion del hombre y la mujer.

al llegar al otro lado las parejas 2 y 3 valsea en el puesto en 8 tiempos mientras que las parejas 1 y 4 se desplazan en posicion de valceo si giro hacia el lado opuesto en el que se encuentran, respetando la posicion del hombre y la mujer, al llegar al puesto rematan las mujeres por fuera en 2 tiempos.

 Formando asi 2 verticales, valsean en el puesto 4 tiempos, las parejas 1 y 3 se desplazan hacia arriba( el publico) en valseo con giro en 4 tiempos y las parejas 2 y 4 se desplazan en valseo ceon giro hacia abajo en 4 tiempos igualmente, en total alineacion, llegan al 4 tiempo, marcan 2 tiempos y se devuelven por el mismo lado.

rematando la mujer por fuera finalizan en posicion de semiciculo .

jueves, 14 de mayo de 20

miércoles, 15 de abril de 2015

CARACTERISTICAS COREOGRAFICAS 

DE LAS DANZAS DEL TOLIMA

Las danzas de la región andina de Colombia están muy influenciadas por las características físicas de la geografía y por las condiciones en que el hombre tiene que desempeñar sus actividades cotidianas. La vida desde luego, el trabajo, tiene como escenario laderas que son prolongaciones de cordilleras muy quebradas, valles pequeños entre los macizos montañosos, cauces de ríos de corrientes accidentadas, bosques tupidos, siembras de parcela, zonas para la explotación de metales, etc. Que le imponen al ser humano un comportamiento determinado, una manera de ser, de moverse y de utilizar su cuerpo. Los bailes no pueden escapar a estas condiciones.

- las principales caracteristicas son:
- se trabaja sobre la estructura ritmica.musical.
- Se utiliza parafernalia.
- Se dan los cambios de las figuras.
- Se utilizan figuras como:

Escobillao: Batir el suelo con los pies con movimiento rápido y repetido.

Rasga-tierra: Hendir la punta del pie en el suelo, como quien camina. (3/4)

Punta de pie: Lanzar la punta del pie hacia delante flexionándola hacia arriba o hacia abajo lentamente.

Estos y otros pasos nos demuestran que en la parte dancística se reproducen actividades de laboreo, en las que se raspa la tierra.

A esto se añade, cierta rigidez en las caderas, predominio de las actividades que exigen flexión del torso en los hombros, escasa movilidad de la cabeza.

Igualmente, la participación por parejas o en grupos no muy numerosos, marca así mismo las limitaciones que el espacio geográfico señala. La influencia española se hace evidente en el juego de los brazos.

Giros: Vuelta del cuerpo en un solo punto.

Ochos: Desplazamiento de superficie en forma de ocho.

Codos: Acercamiento o toque de codo con codo, en distintas posiciones.

Molinetes: Vueltas en un sitio, a manera de rodeo.

Ruedas, círculos o rondas: Disposición en círculos de los individuos, parejas o pequeños grupos, tomándose de las manos, haciendo pasamano o marchando estila trenza.                                    

Careos: Posición de los rostros frente a frente, simulando un beso.

Puentes: Paso de un bailarín o una pareja y aún un grupo por debajo del puente que hacen los otros de a dos, con la mano, empleando un pañuelo, un lazo, pañolón o vara.

Saludos: Venias protocolares y profundas, hechas a veces con sombrero en la mano.

La temática de las danzas andinas parte de motivación en su mayoría originadas en la interpretación de la vida cotidiana, en la historia y en las costumbres, casi siempre con sentido profano, pero en ellas desempeñan un papel relevante las pantomimas imitativas de animales (aves, simios, etc.), las teatralizaciones representativas del laboreo y los juegos coreográficos, empleando siempre los ritmos tradicionales.

miércoles, 15 de abril de 2015

Dentro de un contexto histórico el maquillaje ha sido un gran influyente medio de expresión para nuestros ancestros, ha estado en ritos espirituales, han representado jerarquías y ha sido un elemento clave para representar la cultura tradicional que ha sido heredada y expresada por ejemplo, en la danza.

Los colores, el trazo y los diseños llenos de materiales que resaltan la expresión del bailarín y su danza, son algunos de los elementos que vemos en el maquillaje.

Para el caso de los hombres, los elementos básicos son el rubor, el delineador y el iluminador.

Para las danzas de ascendencia africana

Aunque el color de las sombras es libre, también debe contrastar con el vestuario y el ritmo de la danza. Los ritmos africano son de mucha energía y alegres y por ende son cálidos.

Para las danzas de ascendencia española

Al ser una danza que demuestra la elegancia, la pulcritud y los pasos de salón, -en su mayoría-, el maquillaje debe resaltar lo mismo. Para este caso los colores fríos como el negro y los tonos tierra como el café son los que más se utilizan.

Para estos dos tipos de maquillaje, el rubor es clave, para resaltar en el escenario las facciones de los danzantes.


Para las danzas indígenas

Las figuras geométricas, los trazos gruesos, los dibujos de animales, el delineador y los colores fuertes son característicos de las danzas indígenas, ya que representan elementos de las danzas rituales.

Tanto los hombres como las mujeres llevan este maquillaje, la diferencia entre géneros radica en la jerarquía de la danza y en los elementos tradicionales que representan.

Recomendaciones:

• Tener en cuenta el lugar, el espacio y el tipo de presentación. Si es un show de mucha gente, el maquillaje debe estar más exagerado. Las pestañas postizas, la escarcha, el rubor y las sombras deben estar más marcados.

• El color del maquillaje debe tener en cuenta el color del vestuario.

• Un maquillaje siempre debe ser original y aunque hay que mantener la esencia y el significado del maquillaje, hay que darle rienda suelta a la imaginación.

MAQUILLAJE EN CINE Y TELEVISIÓN

En cine, televisión o incluso, en teatro, el maquillaje es imprescindible, pues las condiciones de iluminación inciden sobre la percepción y también es imprescindible para dar color a las personas del color de la piel de los (actores). En algunos casos extremos, esta aparente pérdida de pigmentación puede dar un aire espectral a las personas.

Posee dos constituyentes mayores:

1. Talco, que representa del 60 al 80% de la fórmula. 2. Almidón, la cual es una sustancia mucilaginosa (sustancia capaz de absorber agua) extraída de los cereales.

Puede añadírsele algunas materias primas:

1. Carbonato Magnésico, con el fin de fijar los perfumes y conseguir ligereza, por su textura polvorosa.
2. Estearatos de Magnesio o de Zinc, son jabones metálicos que permiten la homogeneidad de los polvos y la fijación a la epidermis. 
3. Polímeros Orgánicos (polvo de polietileno o polvo de poliamida), evitan la aglomeración de los polvos y por consiguiente prevenir que estos lleguen a formar una pasta fina. 
4. Polvo de Seda al 1%, contribuye con la suavidad de su textura, y al mismo tiempo con la absorción. 
5. Antioxidantes, consiguen una buena conservación y estabilidad. 
6. Pigmentos, los cuales intervienen en el 3% de la composición de los polvos. 
7. Perfume neutro o de alguna clase.

MAQUILLAJE DE CARACTERIZACIÓN

Además de minimizar la pérdida de color, el maquillaje ayuda a crear al personaje y contribuye también a su caracterización exterior, adecuado a la apariencia física a las exigencias del guion. Este tipo de maquillaje llega a transformar los rasgos del actor y cambiar completamente su rostro puede ir cambiando desde un leve envejecimiento o rejuvenecimiento, a colocarle una cicatriz inexistente o, en el extremo opuesto, a convertir a una persona en un monstruo, un personaje de ficción, etc.

El maquillaje utilizado por los payasos es uno de los ejemplos más claros de caracterización pudreste.

En el maquillaje de caracterización se utilizan productos cosméticos decorativos y materiales específicos como el alginato, la escayola, el látex o la silicona. El maquillaje debe ser usado de manera adecuada y con productos adecuados de reconocidas marcas, ya que se pueden ocasionar daños a la piel.

Consiste en realizar transformaciones con distintos productos como látex, alginato, escayolas silicona. Para lograr cierta transformación es necesario someterse a horas de proceso de elaboración de este para lograr la máscara pedida. A través de este tipo de maquillaje se puede conseguir envejecer la piel, rejuvenecerla, hacerla  parecer herida, quemada, hacer parecer al maquillado un monstruo, un animal, un payaso, infinidades de cosas se pueden lograr con este. Generalmente para hacer este maquillaje se necesita basarse en una imagen, una investigación de la caracterización que se quiera.

Consiste en realizar transformaciones con distintos productos como látex, alginato, escayolas silicona. Para lograr cierta transformación es necesario someterse a horas de proceso de elaboración de este para lograr la máscara pedida. A través de este tipo de maquillaje se puede conseguir envejecer la piel, rejuvenecerla, hacerla  parecer herida, quemada, hacer parecer al maquillado un monstruo, un animal, un payaso, infinidades de cosas se pueden lograr con este. Generalmente para hacer este maquillaje se necesita basarse en una imagen, una investigación de la caracterización que se quiera.

MAQUILLAJE ARTÍSTICO

El maquillaje artístico o de fantasía es una forma muy especial de maquillarse, que se utiliza más bien en las fiestas, carnavales o con motivo de alguna ocasión especial, además de utilizarse mucho con los niños. El maquillaje artístico viene de épocas muy antiguas ya que desde hace mucho tiempo existe la posibilidad de maquillarse artísticamente para alguna fiesta o evento. Con el correr de los años, el maquillaje artístico ha ido evolucionando, volviéndose más habitual a partir de las décadas de los 60’s y 70’s. La idea del maquillaje de fantasía, es el uso del rostro como lienzo y soporte material para realizar las obras

En el maquillaje artístico, se pinta sobre todo la cara y se suelen utilizar muchos de los productos cosméticos que se utilizan para el maquillaje convencional. La diferencia es que con el maquillaje artístico, no se busca realzar la belleza de la persona, ni lograr un efecto natural. En este sentido, el maquillaje artístico se aleja mucho del maquillaje convencional.

Muchas veces, lo que se busca con el maquillaje de fantasía es mostrar un rostro que no es el propio, como por ejemplo la cara de un animal o el de algún personaje, aunque otras veces solo se realizan formas artísticas.

En algunos, casos el maquillaje artístico puede abarcar todo el cuerpo, y es mucho más complejo y sofisticado. Este tipo de maquillaje solo lo realizan profesionales, y se utiliza más bien en eventos u ocasiones especiales en las que se pretende realizar algún show o presentación especial. Por otro lado, cuando el maquillaje de fantasía es más simple, menos elaborado, y concentrado en la zona de la cara, se puede utilizar más a menudo y en otras ocasiones como un carnaval, una fiesta de disfraces o una fiesta especial.

LUMINOTECNIA EN LA DANZA

El diseño de iluminación es un aspecto muy importante para completar el mensaje del coreógrafo. Con los diseños apropiados se dan los cambios de ambiente y sensaciones que percibimos los espectadores. Con la iluminación, se comunica el colorido, el ambiente, se da la atmósfera a la escena, y , a la vez guía el interés del público hacia la parte esencial de la danza y de los bailarines, sus cuerpos, su vestuario, y sobre todo, sus movimientos.

Pensando en que la danza es una forma de comunicación para un público, y que es una expresión organizada que emplea movimientos corporales y usa un ritmo como base, se pueden diferenciar los tipos de danza teatral. Estos tipos de danza tienen características comunes:

1. El objetivo de la danza. Puede ser contar una historia, delinear un sentimiento, o tener una funcionalidad específica, como bailar para que llueva, celebrar una victoria, etc.
2. Técnica dancística y vocabulario de movimiento. En ballet existen técnicas formales, así como en la danza contemporánea y la danza española.
3. El acompañamiento. Estas danzas tienen un ritmo base, que puede ser música, el ritmo interno del bailarín, o generadores de sonido de varios tipos, incluyendo la voz. En danza clásica tradicional se utiliza la música primordialmente, pero la danza neoclásica o "post modernista" puede utilizar lo que el coreógrafo sienta necesario para apoyar su obra.
4. La forma de la producción. Algunas coreografías utilizan escenografía específica. Otras coreografías abstractas no la utilizan necesariamente. Algunos coreógrafos involucran el uso de luz, sonido, vestuario y objetos dentro de los movimientos de los bailarines.

Para el diseño dediseño de la iluminación es necesario pensar en estos aspectos, y en los tipos de danza que se presentan, pues de ello depende el diseño que apoye las coreografías.

• El ballet clásico tradicional o de repertorio, resalta la técnica y la historia.
• La danza contemporánea y el ballet neoclásico resalta la idea a comunicar, los ambientes, las sensaciones, y en ocasiones alguna historia. La danza-teatro, y otras tendencias como el performance, como el trabajo de John Cage, que involucran otras artes, también tienen como objetivo primordial transmitir una idea, recurriendo a todo lo que sea necesario.
• La danza de entretenimiento, como el jazz, el tap y otras formas de danza tienen el objetivo de entretener y divertir, por lo que las necesidades de iluminación son muy diferentes a las anteriores.
• La danza que forma parte de una producción, como serían los ballets de óperas, o las comedias musicales, son danzas teatrales que requieren diseños complejos de iluminación.
• La danza étnica, folklórica o regional, por lo general tienen otras funciones además de la función estética.  Pueden ser rituales, o sociales o festivas (celebratorias). Algunas compañías hacen versiones mas estilizadas de estas danzas para "teatralizarlas", esto quiere decir que para su difusión, las han modificado para que se puedan bailar en los teatros.
• La pantomima, las artes marciales, las danzas gimnásticas y otras, tienen otros objetivos, por lo que la función estética - danza como arte - queda relegada a segundo plano. Para muchas personas, estas actividades no forman parte del concepto de danza propiamente dicho.

Algunas sugerencias para iluminar danza .

1. Se debe tratar de utilizar las luces en forma cruzada, para dar volumen a los cuerpos de los bailarines y a sus movimientos y evoluciones sobre el escenario.
2. Se debe procurar utilizar contraluces (luz que proviene de atrás de los bailarines) para separar a los cuerpos del fondo del escenario, de manera que se de la ilusión de tercera dimensión.
3. La luz que proviene del frente tiene una importancia menor a la contraluz. En los ballets clásicos tradicionales la luz frontal es mas necesaria, pero mas bien para crear un ambiente. Nunca debe usarse la luz frontal en exceso.
4. En la danza clásica, los reflectores seguidores son útiles para enfatizar los movimientos de los bailarines principales, o para llamar la atención a un lugar específico en el escenario. Siempre se deben usar en forma moderada y con suave intensidad, a menos que una coreografía requiera de otro diseño.
5. Se debe estudiar los movimientos de los bailarines en el escenario para poder definir patrones de movimiento y figuras y poder apoyarlos creativamente.
6. En la iluminación para danza, se deben tomar en cuenta las áreas del escenario y enfatizarlas utilizando las lámparas especiales necesarias, apoyando el foco escénico de la coreografía. Así mismo, debe poder crear ambientes generales que iluminen todo el espacio. Por ejemplo: los colores ámbar, rojo y rosa, dan un ambiente cálido, de día, alegre o de fuego; los azules y violetas dan la sensación de frío, de la noche, de misterio o tristeza.
7. El diseño de iluminación de una obra coreográfica nunca se debe imponer; esto es, que el diseñador no debe forzar un diseño sobre el coreógrafo y los bailarines. El diseño debe siempre responder a las necesidades de expresión de la coreografía y no al revés.
8. El uso del ciclorama o telón negro o inclusive, no usarlos, debe decidirse de acuerdo con el tipo de danza y la idea que comunica la coreografía, pero siempre debe darse la ilusión de tercera dimensión de los cuerpos de los bailarines de manera que se aprecie el volúmen de sus cuerpos y no se vean aplanados. Se debe evitar que aparezcan sombras de los cuerpos sobre el ciclorama o que otras luces "manchen" el  ambiente creado. En danza contemporánea o neoclásica, esto no es tan estricto. Para ello, es importante el lugar donde se colocan las lámparas, y el ángulo que forma la luz.

Equipo.

Entre los equipos de luz podemos distinguir dos clases:

• 1. Equipo para la iluminación general: incluye las diablas, la batería, los varales, secciones, cajas u olivettes y "rifles", que dan una luz difusa.

• 2. Equipo para luz concentrada o dirigida: reflectores o spots de los diversos tamaños e intensidad.

Los colores básicos para utilizar en las diablas, la batería y varales, son: blanco, rojo o ámbar y azul. Existen las micas o geles de muchos colores, que pueden cambiarse en las lámparas para que la luz sea de otro color o se puedan hacer mezclas de colores. Todo el equipo de iluminación se maneja en la cabina con un aparato que puede ser un tablero o consola y que permite controlar la intensidad de las luces a través de dimmers. Esto permite también que la luz no se prenda y se apague bruscamente, sino poco a poco.

TORRES: se colocan entre las piernas (en las calles), a los lados del escenario. Pueden ir al nivel del piso, en pedestales, o a la altura de las varas. Su mayor utilidad es en la danza.

PUENTES: son parrillas colgadas del techo en la sala, fuera del escenario.


LUZ / MOVIMIENTO

LUZ / INTENSIDAD

El cambio de la lámpara de gas a la luz eléctrica, gracias al invento de Thomas Alva Edison, significo un cambio radical en la forma de hacer teatro. La Opera de Paris y el Teatro Savoy de Londres fueron los primeros en utilizar la luz eléctrica. En 1970 se empiezan a utilizar los tableros de control computarizados. El desarrollo de la iluminación teatral, de basa en el control de las propiedades de la luz: intensidad, color, forma, distribución y movimiento.

VARAS: Como su nombre lo indica, son varas de metal que se encuentran suspendidas sobre el escenario.

VARAS LATERALES: son instalaciones fijas a los lados del proscenio o en las paredes de la sala.

TABLERO O MESA DE CONTROL

Desde el tablero, el operador puede manejar, ya sea de manera independiente o de manera conjunta a través de un canal master, la intensidad de los reflectores.

DIMMER

Es un dispositivo que funciona como regulador de voltaje. Aquí se conectan todas las luces y el dimmer a su vez se conecta al tablero de control.

PANORAMA

Son lámparas con un reflector parabólico que producen una luz muy brillante y concentrada pero no permiten ningún control sobre el ángulo o el contorno de su haz. Se utilizan para la iluminación muy general, principalmente del fondo o del ciclorama.

DIABLA O BATERÍA

Es una tira de luces en batería. Su uso mas común es de fondo o iluminación del ciclorama, principalmente de arriba hacia abajo. Luz suave y difusa.

FRESNEL

Luz difusa. Es pequeño, ligero y fácil de manejar. Puede llevar viseras en su boca para evitar fugas de luz.

TIPOS DE REFLECCTORES

Los reflectores mas utilizados son:

LEKO
Reflector de tipo elipsoidal. Produce una luz dura y definida, es útil en la parte frontal, donde la luz no debe derramarse. Tiene un portamicas donde se pueden colocar laminas con recortes para hacer efectos especiales y filtros de color. Posee un sistema de navajas para dar formas definidas recortando la luz.

DIRECCIÓN DE LA LUZ

CONTRALUZ

Se produce cuando la fuente de la luz esta detrás del objeto iluminado y el espectador solo puede ver su silueta.LATERAL
La fuente de luz esta colocada a los lados del escenario, ya sean en lo alto, a un nivel medio, o aun nivel de piso. Es muy útil para definir los cuerpos.CENITAL
De arriba hacia abajo. Se crean sombras grandes dando un efecto dramático. Su nombre proviene del punto celeste denominado «cenit» y que es perpendicular a cualquier punto de la tierra.FRONTAL

Se ilumina al actor, de frente y de arriba hacia abajo. Normalmente se combina con otras posiciones
ya que la luz frontal tiende a quitar profundidad a la escena.

ILUMINACIÓN TEATRAL

Forma parte importante de las artes y técnicas que se usan como complemento de la danza.

Es un esfuerzo a lo que se quiere transmitir en una coreografía, creando ambientes y atmósferas que provocan sentimientos y emociones en el espectador.


LUZ / COLOR
El color se da a través de filtros (laminillas de vidrio óptico o de gelatina plástica) que se colocan en los reflectores.

Los colores de acuerdo a su temperatura, los podemos clasificar en cálidos que abarcan toda la gama del rojo al amarillo y los colores fríos son los que van del azul al verde.

Aunque la elección del color debe ser decisión del diseñador de iluminación.